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Noções básicas de desenho: Oficinas de desenho de Jon DeMartins para melhorar as pinturas

Noções básicas de desenho: Oficinas de desenho de Jon DeMartins para melhorar as pinturas



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"Uma das maiores razões pelas quais os pintores enfrentam problemas é porque suas fotos não têm uma base sólida de desenhos precisos e expressivos", diz o artista de Nova York Jon DeMartin. É por isso que as oficinas de desenho são tão úteis para os pintores figurativos.

de M. Stephen Doherty

Quando estiver claro que não há pílula que alivie rapidamente a dor de uma pintura que deu errado, DeMartin pode ajudá-lo a entender como lidar com os problemas subjacentes de proporções imprecisas, características distorcidas ou formas sem vida. Ele oferece uma variedade de maneiras pelas quais você pode curar essas doenças pictóricas comuns.

Um aluno assistiu atentamente
como DeMartin lhe mostrou como
usar Conté colorido
giz de cera para desenhar o modelo.

As oficinas e aulas de DeMartin são requisitadas em todo o Nordeste, e ele é instrutor regular de várias escolas de arte de Nova York e Connecticut. Nelson Shanks recentemente o convidou para realizar um workshop intensivo de uma semana para os pintores talentosos que estudam no Studio Incamminati, na Filadélfia. "Para o crédito de Nelson, ele queria que eu apresentasse a seus alunos uma abordagem completamente diferente para desenhar a figura do que ele emprega", explica DeMartin. “Foi uma honra fazer isso porque os estudantes de Incamminati foram apresentados a alguns dos principais artistas figurativos do país, como Nelson, Stephen Early, Leona Shanks, Darren Kingsley, Michael Grimaldi, Dan Thompson e Rob Liberace.

"O desenho é parte integrante do processo de criação de imagens", afirma DeMartin. “Ele oferece a oportunidade de explorar variações do assunto. Um artista pode ficar empolgado com uma ideia e se precipitar na pintura sem a preparação adequada, apenas para descobrir - muitas vezes tarde demais - que a idéia não pode ser sustentada por todo o processo. Ao reservar um tempo para executar desenhos preparatórios, um artista pode considerar e destilar cuidadosamente as idéias e, assim, tomar melhores decisões criativas. ”

Os alunos da oficina atraíram
os braços totalmente estendidos.

A melhor parte das oficinas de desenho de DeMartin é que elas oferecem aos alunos uma série de abordagens ao desenho figurativo, cada uma das quais pode ajudar com aspectos específicos da criação de imagens. Por exemplo, ele pede que os alunos comecem todos os dias com desenhos de gestos rápidos que enfatizam os aspectos espontâneos e lineares de registrar uma pose ativa em um desenho de linha. “Poses curtas de um a 45 minutos tendem a ser mais sobre linha e gesto, e longas (uma hora ou mais) são sobre forma e volume”, explica ele. “Devido às restrições de tempo, é difícil fazer qualquer modelagem extensa com valores; portanto, quanto mais maneiras eu puder aumentar o volume de linhas expressas, melhor.

"Em muitos desenhos dos séculos anteriores, a ilusão da terceira dimensão não era totalmente dependente de gradações de valor porque a concepção por trás dos contornos era dimensional por si só", continua DeMartin. “Como resultado, uma faixa de valor menor foi usada e os desenhos podem ser feitos em um período menor de tempo. As oportunidades para realizar ações e ritmos emocionantes aumentam se poses curtas forem praticadas.

DeMartin trabalhou diretamente
nos desenhos dos alunos
para ajudá-los a entender
como fazer melhorias.

“Quando os artistas passam horas ou dias trabalhando na mesma pose, seus desenhos se tornam análises de valores relacionados a formas que mudam da luz para a sombra”, explica DeMartin. “Esse tipo de estudo se relaciona mais à prática acadêmica do século XIX de fazer desenhos altamente acabados de moldes de gesso e de modelos que mantêm a mesma pose por dias e semanas. A ênfase nesse caso está na observação cuidadosa das sutilezas no formulário.

"Ambas as abordagens para desenhar a figura podem ser benéficas para os pintores, mas também podem levar a seus próprios problemas", diz DeMartin. “Os artistas que fazem apenas pequenos desenhos com gestos geralmente produzem imagens estilizadas que são respostas formuladas, em vez de honestas, a modelos individuais. Por outro lado, os artistas que só fazem desenhos que levam meses para serem concluídos frequentemente terminam com observações mecanicamente precisas e sem conteúdo emocional. Ao combinar as duas abordagens, o artista tem mais chances de fazer avaliações rápidas da maneira como as figuras se movem no espaço, bem como observações precisas que evocam a essência da pessoa que está sendo desenhada. ”

Desenho do gesto de DeMartins:
Desenhos de gesto de um minuto
com Nupastel em papel de jornal.

DeMartin recomenda que os artistas usem materiais de desenho diferentes, mas com a mesma postura ao fazer esses dois tipos de desenhos. "O desenho deve ser feito de uma posição em pé, com o braço estendido, para que o movimento venha do ombro, não apenas do pulso", ele indica. “Os artistas devem poder ver a superfície do desenho e o modelo dentro de seu campo de visão.

“O principal objetivo ao fazer esboços rápidos do modelo com giz (Nupastel) é capturar as ações rítmicas e possivelmente alguma contração”, continua ele. “Quero encontrar a ação antes dos contornos, porque sem esse senso de movimento o desenho perderá seu fluxo rítmico. Se o tempo permitir, introduzirei gradualmente a estrutura, conceituando a orientação da cabeça, caixa torácica e pelve no espaço usando linhas medianas verticais e horizontais. O foco é mais no esqueleto do corpo do que nos músculos.

"As linhas que descrevem os recursos podem atravessar as partes do corpo, pois enfatizam o fluxo dos formulários e o relacionamento de um formato com outro", explica DeMartin. “Se um braço cruzar o corpo, por exemplo, o artista deve desenhar primeiro as linhas contínuas do corpo e depois o braço sobre essa seção do corpo. O objetivo é primeiro capturar a ação e o contorno e deixar as sutilezas aparecerem mais tarde.

Desenho do gesto de DeMartins:
Desenho de gesto de cinco minutos
com Nupastel em papel de jornal.

“Os desenhos feitos por um longo período de tempo devem ser iniciados com carvão de videira médio colocado em um suporte”, aconselha o artista. "A vantagem do carvão vegetal é que é mais fácil apagar e ajustar, desde que as linhas não estejam muito escuras. Além disso, devido à sua suavidade, o carvão vegetal da videira desliza pelo papel e se presta a um começo simples e ousado. ”

Uma vez satisfeito com a proporção e a colocação da figura no papel, DeMartin indica a área da sombra em um processo que chama de posterização. “Uma coisa é universalmente verdadeira para as poses curtas e longas: as sombras devem ser colocadas em primeiro lugar, porque elas orientam o artista a comparar os outros valores que estão na luz”, enfatiza. “Crio um valor fixo para as luzes (o branco do papel) e um valor fixo para as sombras com linhas tracejadas que produzem um tom claro. Valor não é uma preocupação, apenas a interpretação gráfica do padrão de sombra. É importante reconhecer quais formas estão nas sombras e quais não estão, porque os artistas geralmente confundem valores escuros na luz com sombras. "

Quando ele está satisfeito com o desenho básico do carvão vegetal, DeMartin limpa grande parte do carvão vegetal, deixando apenas uma imagem fraca no papel branco. "Isso me fornece um modelo ou guia para as etapas finais do desenho", explica ele. “Depois refiz a figura usando carvão comprimido, que é mais permanente, e presto mais atenção à precisão do desenho em comparação com o modelo.

“Desenvolvo as sombras de maneira aditiva, construindo camadas de carvão”, diz DeMartin, explicando como desenhar poses longas. “Primeiro esfrego uma massa plana e uniforme de sombras e depois uso um toco de carvão para derreter as sombras no papel. Isso serve como uma justaposição agradável aos valores da luz, que são desenhados espontaneamente com a eclosão. Em poses mais longas, a ilusão tridimensional do desenho é expressa principalmente por valores de claro e escuro. Os planos na forma que se afastam da fonte de luz escurecem à medida que se aproximam da linha de sombra. Essas são as gradações de valor no formulário que transmitem a ilusão de redondeza. Quanto mais redonda a forma, mais as gradações se espalham.

Desenho do gesto de DeMartins:
Desenho de vida de vinte minutos
com Nupastel em papel de jornal.

A quantidade de tempo que os estudantes gastam em desenhos de curto e longo prazo depende, em parte, do seu nível de habilidade. "Se os alunos não tiveram muito treinamento, passo menos tempo em poses curtas e mais em poses longas, porque é muito difícil treinar um artista não qualificado em uma oficina que dura apenas alguns dias", explica o artista. “É melhor para os iniciantes lidar com questões mais diretamente relacionadas à pintura - como valores, formas e bordas - em vez de gestos. Eles geralmente acham mais fácil trabalhar em proporção, escala e projeção se o modelo mantiver a mesma pose por várias horas. ”

Para ajudar a transmitir como o treinamento em desenho pode ser benéfico para um pintor, DeMartin oferece uma revisão detalhada do desenvolvimento de uma de suas pinturas recentes, Bilhar. Os numerosos esboços em miniatura, desenhos lineares, estudos de valor e diagramas de composição ajudaram a estabelecer a base sólida que DeMartin acredita ser tão importante para uma boa pintura.

A cena interior de uma sala de bilhar começou como um rápido gesto de desenho e se desenvolveu através de uma série de estudos de composição. “Lembrei-me de um salão de bilhar que visitei na década de 1970, que fotografei e, anos mais tarde, transformou-se em um desenho áspero de grafite em um caderno de desenho 3-x-5”, lembra ele. “O desenho era uma indicação solta de dois homens jogando uma partida de bilhar enquanto estavam perto de uma janela. Anos mais tarde, imaginei uma pintura que pudesse ser incluída na exposição “interiores” da Galeria John Pence, em São Francisco. Eu imaginei que ele tivesse muita atmosfera resultante do alto contraste de uma luz brilhante e sombras profundas. ”

Depois de fazer mais desenhos para explorar a idéia e imprimir a imagem em sua mente, DeMartin pediu a um amigo que se apresentasse como um dos jogadores da piscina e desenhou o reflexo espelhado de seu próprio corpo para o outro homem. “Fiz vários desenhos em carvão vegetal para obter a ação e o caráter, depois fiz desenhos mais cuidadosos em papel tonificado usando carvão comprimido e giz branco”, explica ele. "Eu confiei completamente nesses desenhos quando comecei o processo de pintura."

Assim como ele varia o tipo de desenho que emprega, DeMartin também usa diferentes técnicas de pintura. "Eu me beneficio de ter estudado com artistas que exploraram duas maneiras diferentes de desenvolver pinturas, cada uma das quais leva a um resultado diferente", admite o artista. “Michael Aviano explicou como desenvolver uma pintura monocromática, enquanto Nelson Shanks me ensinou a trabalhar com relações de cores desde o início. Encontro ocasiões em que uma ou outra abordagem pode servir melhor às minhas intenções.

"No caso de Bilhar, Decidi estabelecer uma base monocromática primeiro selando as linhas do desenho com uma fina mistura de tinta ocre marrom Old Holland e depois pintando uma base monocromática de valor total com umber queimado ”, continua DeMartin. "Um underpainting monocromático oferece a vantagem de permitir que a imagem 'respire' ', particularmente nas passagens mais escuras. Isso cria um bom equilíbrio de opacidade e transparência, além de uma riqueza de textura. Uma vez que estava completamente seco, comecei a pintar em cores em várias passagens para alcançar os níveis de transparência e opacidade necessários para a pintura finalizada. Enquanto colocava as cores locais sobre a base, fiquei vigilante ao manter os valores subjacentes. ”

DeMartin enfatiza que não há apenas uma abordagem recomendada para desenhar ou pintar. O importante para os artistas lembrarem é que uma certa quantidade de desenho ajudará na seleção dos elementos de uma imagem, no estabelecimento da composição de linhas e valores e na resolução de possíveis problemas. “Sempre ajuda ter técnicas baseadas em princípios sólidos que, com muito trabalho, produzem resultados bem-sucedidos”, conclui. "É apenas através da capacidade de capturar a vida em desenhos que os artistas conseguem realizar suas visões".

Sobre o Artista
Jon DeMartin recebeu uma B.F.A. formou-se em cinema pelo Pratt Institute, no Brooklyn, e estudou arte na Art Students League de Nova York, em Manhattan, com Gustav Rehberger e Nelson Shanks, além de Michael Aviano. Além disso, ele treinou desenho de elenco com Milet Andrejevic e Edward Schmidt. Seus desenhos e pinturas foram exibidos em galerias em Nova York, Califórnia e Virgínia e foram publicados na American Artist, Art in America, ARTnews e The Classicist. DeMartin lecionou na New York Academy of Art, na Woodstock School of Art e na Parsons The New School for Design, todas em Nova York, bem como na Lyme Academy College of Fine Arts, em Old Lyme, Connecticut. Ele é representado pela Hirschl Adler Gallery, em Nova York, e John Pence Gallery, em San Francisco.

M. Stephen Doherty é o editor-chefe da Oficina.


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