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O artista e o modelo de arte: uma relação simbiótica (e uma demonstração)

O artista e o modelo de arte: uma relação simbiótica (e uma demonstração)



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Aplicando o que aprendeu com os estudos clássicos na Itália, Justin Hess usa óleos artesanais e o método do tamanho da visão para fazer pinturas atemporais. "Um relacionamento simbiótico" apareceu originalmente na Magazine (novembro de 2012). Continue lendo para esta demonstração gratuita do figura / pintura a óleo Um segundo olhar (abaixo; óleo, 35½x39½).

Um relacionamento simbiótico
Por Justin Hess

Uma vez, uma modelo comentou brincando sobre os rostos que eu estava fazendo enquanto me concentrava no meu trabalho. Como artistas, tendemos a ser apanhados no momento, enquanto tentamos descrever com precisão o assunto em questão. É fácil ignorar o relacionamento íntimo com nosso modelo, criado a partir de tantas horas de trabalho intensas juntos.

Para Um segundo olhar, Propus-me a representar a relação simbiótica entre o modelo e o artista. A modelo estava me estudando indiretamente através do espelho com a mesma intensidade com que eu a estava estudando. Com seu olhar, ela reivindicou o ambiente como seu e infundiu sua força e graça em uma pintura que, essencialmente, ela ajudou a criar.

A inspiração para Um segundo olhar veio de algumas fontes diferentes, uma das quais foi o pintor italiano Giacomo Grosso (1860–1938), que fez uma pintura de um nu reclinado em uma pele de urso (Nuda) Eu havia comprado a pele de ovelha que a modelo está sentada em um pequeno mercado ao ar livre na Noruega enquanto eu estava lá ensinando uma oficina. Gosto de um ambiente de respeito profissional mútuo entre a modelo e eu em contradição com a tensão sexual, que é o que vejo em muitas pinturas nuas contemporâneas.

.Figura demonstração de pintura:

1. Esboço preliminar: A idéia por trás do esboço preliminar é traduzir o conceito em uma imagem. Eu tento elaborar a pose mentalmente ou, com a ajuda de um espelho, colocando-me na pose, para que eu tenha uma melhor compreensão do que eu quero quando o modelo real chegar. Essa também é uma boa maneira de elaborar a composição em relação ao tamanho e perfil da tela que melhor se adequa ao projeto.

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2. Estudo de cores: O objetivo do estudo de cores é misturar com precisão valores de cores específicos do objeto e do ambiente. O objetivo é obter uma impressão geral de como será a pintura final. Eu posso usar este estudo como referência durante a pintura real.

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3. Configuração do tamanho da mira e bloqueio: De acordo com o método de tamanho da visão, configurei minha tela diretamente ao lado do meu modelo para criar uma pintura em tamanho real. Mas o tamanho da visão não precisa ser em tamanho real. Quanto mais a tela é colocada na frente do modelo e em direção ao pintor, menor será a pintura. Uma regra geral a que você pode aderir é marcar seu ponto de visualização a uma distância três vezes a maior dimensão da sua tela. Leonardo escreveu: "Quando você desenha da natureza, fique três vezes mais longe que o objeto que está desenhando". Para esta pintura em particular, meu ponto de vista estava a cerca de 9 pés da tela, porque a maior dimensão da minha tela era cerca de 3 pés. Antes de pintar, crio um desenho a carvão para determinar o posicionamento geral da composição e a forma geral do meu objeto. Tento manter minhas linhas retas e claras, evitando detalhes para facilitar as alterações.

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4. Preserve o bloqueio: Preservei o desenho finalizado, repassando-o com umber cru diluído em aguarrás, que estava seco na manhã seguinte. Depois limpei a tela de todo o carvão para não sujar as cores que eu aplicaria.

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5. Bloquear com tinta: Costumo usar apenas as cores misturadas no estudo de cores para fazer o bloco de pintura, mantendo assim toda a pintura harmoniosa e com a chave mais baixa. Normalmente, tento cobrir toda a tela rapidamente, para facilitar a visualização de qualquer erro de composição ou proporcional.

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6. Formulário de compilação: Enquanto checo constantemente meu desenho, lentamente forro mais informações. É importante não se comprometer demais com o desenho original e fazer alterações, se necessário.

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7. Digite a pintura: Nesta fase, escrevo a pintura, o que significa que encontro a luz mais clara e a escuridão mais escura da imagem. Nesse caso, a pele de carneiro tem o valor mais claro e o cabelo do modelo, o mais escuro. Esses dois extremos definem o intervalo de valor limitado (relativo à natureza) com o qual trabalharei.

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Conheça Justin Hess
Justin Hess estudou por três anos na Academia de Arte de Florença, na Itália. Após se formar, passou mais três anos em Florença, ensinando pintura e preparação de materiais, primeiro na Academia e depois em particular. Ele já exibiu obras na Austrália, Europa e Estados Unidos. Ele é representado por W.H. Patterson em Londres; Galerie Michael em Beverly Hills, Califórnia; e John Pence Gallery em San Francisco. Livro dele, Controlando o processo criativo, sobre o uso de métodos tradicionais para preparar tintas, telas e molduras, está disponível em www.jhessfineart.com.

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Clique aqui para ver uma prévia de "Desenhando o nu da vida: Costa Vavagiakis".


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